Magnificat de J.S.Bach

Se acerca la Navidad... y para estar acorde con esta circunstancia, propongo la escucha a través de mi blog del Magnificat de J.S.Bach.

En el Magnificat de J.S.Bach (BWV 243), a diferencia de las cantatas, la base es un texto de la Biblia (Lucas 1, 46-55) que no va ligado al año eclesiástico y se interpretaba precediendo a las misas de las grandes festividades, y por ese motivo tiene una extensión menor que las cantatas.

La primera versión del Magnificat de Bach sonó en las vísperas de Navidad de 1723 en Leipzig. Contenía cuatro himnos navideños y estaba compuesto en mi bemol mayor. Posteriormente reescribió la partitura en re mayor, eliminó los himnos navideños, le añadió trompetas siendo la versión que ha llegado hasta nosotros.

Plantilla Instrumental:

3 Trompetas, 2 Oboes, Violines I, Violines II, Violas, Violonchelos, Contrabajos y Bajo Continuo.

El texto, en latín, narra la visita de la Virgen María a su prima Isabel, esposa de Zacarías, en cinta de San Juan el Bautista.

La versión escogida es:

Tom Koopman con la Amsterdam Baroque Orchestra and Choir

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Vangelis: 1492, La conquista del paraiso

Volvemos de nuevo a la música de cine y a un compositor famoso, Vangelis.

Evangelos Odyssey Papathanassiou, más conocido como Vangelis (pronunciado Vanguelis en español) es un famoso teclista y compositor de música electrónica nacido el 29 de marzo de 1943 en Volos, Grecia.

Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982) y 1492: La conquista del Paraíso de 1992.

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores e instrumentos acústicos que entran en fusión para crear atmósferas de sonido envolventes, evocadoras tanto de grandilocuencia como de intimismo. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque normalmente se le incluye entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace incorrecto que se le catalogue como artista New Age o Chill Out.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine, Vangelis es uno de los pocos compositores que atesoran el mismo reconocimiento por sus bandas sonoras que por sus propios discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro (Antigona) y musicales (Frankenstein, o El moderno Prometeo, La bella y la bestia).

También es necesario mencionar que Vangelis desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones de ámbito internacional.

Prácticamente no se tienen noticias sobre su vida privada, y varias de sus peculiaridades personales (por ejemplo, su fobia a montar en avión o su ausencia en la entrega del premio de la Academia de Hollywood) le han otorgado en algunos momentos de su carrera una cierta fama de excéntrico, si bien es cierto que su presencia en diversos eventos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia.

En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: (6354) Vangelis.

En 1992, y tras la fría acogida de The City (primer trabajo en el sello Warner) Vangelis obtuvo el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consiguió con el gran éxito de su banda sonora para 1492: Conquest of Paradise (1492: La conquista del paraíso), (de nuevo junto a Ridley Scott), cuyo tema central Conquest of Paradise es una de las piezas más conocidas del músico de Volos. Tanto John Williams como Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este tema de Vangelis.

(De wikipedia)

Pongo en este blog una de sus más famosas BSOs: 1492, La conquista del paraiso, película dirigida en 1992 por Ridley Scott. La opción escogida es la versión completa de 2 CDs.

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Barber: Concierto para violín

Respondiendo a una petición en foroclasico cuelgo en mi blog el concierto para violín de Samuel Barber; va acompañado del concierto, también para violín, de Edgar Meyer.

Samuel Osborne Barber (9 de marzo de 1910–23 de enero de 1981) nació en West Chester, Pennsylvania. Considerado como un niño prodigio, comenzó a tocar el piano a los seis años y a componer a los siete. Cursó estudios en el Curtis Institute of Music de Filadelfia antes de convertirse en becario de la American Academy of Rome en 1935. Al año siguiente escribió su Cuartero para cuerdas en si menor, cuyo segundo movimiento arreglaría a sugerencia de Arturo Toscanini para orquesta de cuerdas dándole el título de "Adagio para cuerdas" ("Adagio for Strings") y, posteriormente, para coro mixto como "Agnus Dei".

Trató de evitar el experimentalismo de otros compositores norteamericanos de su generación, prefiriendo hasta casi el final de su vida ceñirse a formas y armonías musicales relativamente tradicionales. La mayor parte de su obra es exuberantemente melódica y ha sido descrita como neoromántica, a pesar de que en algunos de sus últimos trabajos, particularmente el "Tercer Ensayo para Orquesta" y la "Danza de la Venganza, de Medea", despliega un uso magistral de las percusiones, un mayor vanguardismo y efectos neo-Stravinskianos.

Sus canciones, acompañadas por piano u orquesta, se encuentran entre las más populares del repertorio clásico del siglo XX. Entre ellas se incluyen una serie sobre textos de Matthew Arnold ("Dover Beach"), originalmente escrita para cuarteto de cuerdas y barítono; las "Hermit Songs", inspiradas en textos anónimos irlandeses de los siglos VIII al XIII; y "Knoxville: Summer of 1915", escritas para la soprano Eleanor Steber y basadas en la introducción a "A Death in the Family", un texto autobiográfico de James Agee premiado con el Pulitzer de 1957. Barber poseyó una notable voz de barítono y durante un tiempo consideró la posibilidad de convertirse en cantante profesional. Dejó unas pocas grabaciones, entre ellas una de su propia "Dover Beach".

Su "Sonata para piano", Op. 26 (1949), una composición comisionada por Richard Rodgers e Irving Berlin, fue interpretada por primera vez por Vladimir Horowitz, convirtiéndose en la primera gran obra norteamericana para piano estrenada por un pianista internacionalmente reconocido.

Barber compuso igualmente varias óperas. "Vanessa", según el libreto de Gian Carlo Menotti fue estrenada en la Metropolitan Opera de Nueva York. Consiguió el éxito tanto crítico como de público, y Barber obtuvo por ella un Premio Pulitzer. En su estreno en Europa fue recibida con frialdad, por lo que actualmente es poco representada en el Viejo Continente, si bien continúa siendo popular en los Estados Unidos.

Barber produjo tres conciertos para instrumentos solistas y orquesta: uno para violín (finalizado en 1939), uno para violonchelo y un tercero para piano. El "Concierto para piano" fue escrito para y estrenado en el Lincoln Center de Nueva York por el pianista John Browning el 24 de septiembre de 1962, con Erich Leinsdorf dirigiendo la Boston Symphony Orchestra. Barber escribió igualmente a comienzos de los años sesenta una obra virtuosística para órgano y orquesta, la "Toccata Festiva", para el famoso organista E. Power Biggs. La New York Philharmonic le encargó también un concierto para oboe, del que solamente pudo componer su movimiento lento central antes de su muerte.

Entre sus trabajos puramente orquestales, se encuentran sus dos sinfonías de 1936 y 1944, la obertura "La escuela del escándalo" (1932), tres ensayos para orquesta (1938, 1942 y 1978), así como "Fadograph on a Yestern Scene" (1973). Compuso también obras corales de gran envergadura, como las "Prayers of Kierkegaard" (1954) y "The Lovers" (1971). "Prayers of Kierkegaard"se basa en los escritos del filósofo existencialista danés Søren Kierkegaard.

Además de la antes mencionada sonata, su repertorio para piano incluye "Excursions" Op. 20, "Three Sketches", "Souvenirs" y otras varias piezas sencillas.

Aunque Barber nunca fue un compositor prolífico, compuso mucha menos música a raíz del fracaso de su ópera "Antonio y Cleopatra". Ésta tenía un libreto escrito por el director cinematográfico y de ópera Franco Zeffirelli y había sido comisionada para la apertura en 1966 de la nueva Metropolitan Opera House. La ópera fue recibida de forma más favorable en 1975 cuando fue representada en el escenario más íntimo de la Juilliard School con la colaboración y la dirección escénica de Gian Carlo Menotti.

Samuel Barber falleció en la ciudad de Nueva York en 1981.

(De wikipedia)

La interpretación está a cargo de Hillary Hahn/violín con The Saint Paul Chamber Orchestra dirigidos por Hugh Wolff en un CD sony.

Samuel Barber:

1. Concerto For Violin And Orchestra, Op. 14: I. Allegro

2. Concerto For Violin And Orchestra, Op. 14: II. Andante

3. Concerto For Violin And Orchestra, Op. 14: III. Presto in moto

Edgar Meyer:

4. Violin Concerto: Movement I

5. Violin Concerto: Movement II

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Perotin

Damos un gran salto hacia atrás en el tiempo y nos vamos a la Edad Media con la música de Perotin.

Perotín, llamado en francés Pérotin le Grand (‘el grande’) o en latín Mágister Perotinus magnus (también Perotinus Magnus y Mágister Perotinus) fue un compositor francés medieval, que nació en París entre 1155 y 1160 y murió hacia 1230.

Considerado el compositor más importante de la Escuela de Notre Dame de París, en la cual comenzó a gestarse el estilo polifónico. Revisó el Grand livre d'órganum (en latín Magnus líber órgani o Magnus líber (atribuido a Leonín) entre 1180 y 1190.

Compuso obras a tres y cuatro voces a principios del siglo XIII. Poco se sabe sobre su vida, las únicas fuentes fiables derivan de los tratados teóricos de Johannes de Garlandia y el conocido como Anonymous IV, ambos de la segunda mitad del siglo XIII.

Su obra más importante es Viderum omnes, que fue un encargo de las autoridades eclesiásticas para celebrar el día de Navidad del año 1198.

(De wikipedia)

The Hilliard Ensemble

La interpretación es de The Hilliard Ensemble y el disco tiene los siguientes cortes:

- Viderunt omnes

- Veni creatur spiritus

- Alleluia posui adiutorium

- O Maria verginei

- Dum sigillum

- Isaias cecinit

- Alleluia nativitas

- Beata viscera

- Sederunt principes

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Penderecki: 2 obras de vanguardia

De Mozart, damos un gran salto en el tiempo y nos vamos hasta los años 60 del siglo XX; y lo hacemos con K.Penderecki.

Krzysztof Penderecki, compositor polaco, (1933 - ) es una de las principales figuras de mediados del siglo XX. Nació en Débica y estudió y trabajó con F. Skolyxzewski, Arthur Matawski y Stanislaw Vicchouricz como profesor en Cracovia. Desde 1972 fue director de la Escuela Superior de Música de esta ciudad, donde había estudiado. Sus composiciones, admiradas por su potencia y humanidad, utilizan fuentes tan diversas como las técnicas instrumentales vanguardistas, la música aleatoria, armonías de medio semitono y tradicionales y el contrapunto renacentista. Hay en todas un fuerte deseo de romper con su propia formación tradicional. Su Treno por las víctimas de Hiroshima (1960) para 52 instrumentos de cuerda, en parte debe su gran fuerza a efectos tales como inquietantes notas agudas o glissandos de grupos de semitonos. Para estas obras y para la Sinfonía nº 1 (1973) inventó nuevas modalidades de notación musical. También cabe destacar Dies Irae (1967), escrita en memoria de los caídos en Auschwitz, y La pasión según san Lucas (1966), donde utiliza series de doce tonos junto a elementos gregorianos y barrocos. La continuación de La pasión según san Lucas, Utrenia (o Misa rusa 1970-1971), está basada en el ritual ortodoxo. Entre sus óperas destacan Los demonios de Loudun sobre un texto de Aldous Huxley (1968) y El paraíso perdido (1978), basada en el poema del poeta inglés John Milton. En sus últimas obras, como la Sinfonía nº 2 (Sinfonía de Navidad), 1980 y la Misa, investiga la estética romántica dentro de un marco armónico neotonal.

(El poder de la palabra)

He escogido dos obras de la década de los 60, década en la que eclosionan las vanguardias de la música del siglo XX: Stockhausen, Ligeti, Boulez, Berio, C.Halffter, Penderecki... Son:

- Threnody for the Victims of Hiroshima para 52 instrumentos de cuerda (1960)

- Fluorescences para orquesta (1962)

Corresponden a un disco Naxos y están interpretadas por la

National Polish Radio Symphony Orchestra de Katowice, dirigida por Antoni Witt, grabadas en 1998

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Mozart - Requiem - Böhm

Por mi blog han pasado grandes compositores: Beethoven, Schubert, Mahler, Sibelius, Monteverdi... Faltan muchos más, pero ahora le toca el turno a W.A.Mozart y lo voy a hacer con su famoso Requiem, uno de los mejores, si nó el mejor, que se han compuesto.

La misa para difuntos (1791) (Réquiem en Re menor) .- Requiem de Mozart

En marzo de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano n.º 27 (KV 595). Su último hijo, Franz Xaver, nació el 26 de julio.

Pocos días antes se presentó en su casa un desconocido, vestido de gris, que rehusó identificarse y que encargó a Mozart la composición de un requiem. Le dio un adelanto y quedaron en que regresaría en un mes. Pero el compositor fue llamado desde Praga para escribir la ópera La clemencia de Tito, para festejar la coronación de Leopoldo II.

Cuando subía con su esposa al carruaje que los llevaría a esa ciudad, el desconocido se presentó otra vez, preguntando por su encargo. Esto sobrecogió al compositor.

Más tarde se supo que aquel sombrío personaje era un enviado del conde Franz Walsseg, cuya esposa había fallecido. El viudo deseaba que Mozart compusiese la misa de requiem para los funerales de su mujer, pero quería hacer creer a los demás que la obra era suya y por eso permanecía en el anonimato.

Mozart, obsesionado con la idea de la muerte desde la de su padre, debilitado por la fatiga y la enfermedad, muy sensible a lo sobrenatural por su vinculación con la francmasonería e impresionado por el aspecto del enviado, terminó por creer que éste era un mensajero del Destino y que el réquiem que iba a componer sería para su propio funeral.

Mozart al morir, consiguió terminar tan solo tres secciones con el coro y orgánico completo: Introito, Kyrie y Dies Irae. Del resto de la Secuencia sólo dejó las partes instrumentales, el coro, voces solistas y el cifrado del bajo y órgano incompletos, además de anotaciones para su discípulo Franz Xaver Süssmayer. También había indicaciones instrumentales y corales en el Domine Jesu y en el Agnus Dei. No había dejado nada escrito para el Sanctus ni el Communio. Su discípulo Süssmayer completó las partes faltantes de la instrumentación, agregó música en donde faltaba y compuso íntegramente el Sanctus. Para el Communio, simplemente utilizó los temas del Introito y el Kyrie, a manera de reexposición, para darle cierta coherencia a la obra.

El estreno de este Requiem se produjo en Viena el 2 de enero de 1793 en un concierto en beneficio de la viuda del músico austríaco. Fue interpretado de nuevo el 14 de diciembre de 1793, durante la misa que conmemoraba la muerte de la esposa de Walsegg.

(de Wikipedia)

La versión escogida es la dirigida por Karl Böhm
 en 1971 a la Orquesta sinfónica de Viena con:

Gundula Janowitz - soprano

Christa Ludwig - contralto

Peter Schreier - tenor

Walter Berry - bajo

Konzertvereinignung Wiener Staatsopernchor/Norbert Balatsch

Hans Haselböck/órgano

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Nielsen: Sinfonía nº 5

Volvemos a la música sinfónica y lo hacemos con sinfonías de la primera mitad del siglo XX; y concretamente con una de las que yo denomino las cinco quintas, a saber y por orden cronológico:

- La 5ª sinfonía de Sibelius - 1915 - 19

- La 5ª sinfonía de Nielsen - 1921 - 22

- La 5ª sinfonía de Shostakovich - 1937

- La 5ª sinfonía de Vaughan Williams - 1938 - 43

- La 5ª sinfonía de Prokofiev - 1944

He escogido la sinfonía de Carl Nielsen por su estructura original (dos movimientos) y su lenguaje musical sorprendente, sobre todo en el primer movimiento, con un gran despliegue de la percusión y de un dramatismo muy expresivo.

Carl August Nielsen (*9 de junio de 1865 †3 de octubre de 1931) es tal vez el compositor más famoso de Dinamarca.

Nielsen nació en Sortelung, un pueblo cercano a Odense. Aunque su familia era relativamente pobre, Carl consiguió estudiar violin y piano. Aprendió también a tocar diversos instrumentos de viento gracias a su trabajo en una banda militar de Odense.

Estudió violín y teoría de la música en el conservatorio de Copenhague pero nunca tomó clases de composición. A pesar de eso, empezó a componer. El estreno de su primera sinfonía el 14 de marzo de 1894 no obtuvo demasiado éxito. Sin embargo, la misma obra fue un éxito total cuando se interpretó en Berlín en 1896. A partir de esa fecha, su fama empezó a crecer.

Siguió tocando el violín en el Teatro Real de Copenhague hasta 1905 en que encontró editor paras su composiciones. En 1916 empezó a dar clases en el Conservatorio Real Danés de Copenhague, trabajo en el que continuó hasta su muerte.

El 10 de abril de 1891, Nielsen contrajo matrimonio con la escultora danesa Anne Marie Brodersen. El matrimonio permaneció unido hasta la muerte del compositor.

Internacionalmente, Nielsen es más conocido por sus seis sinfonías. Otras piezas conocidas son la música adicional que compuso para el drama del poeta Adam Oehlenschläger Aladdin, las óperas Saúl y David y Mascarada, los conciertos para flauta y clarinete y el quinteto de viento. Es autor también de numerosas canciones populares danesas.

(De Wikipedia)

La versión elegida es la espléndida de Jascha Horenstein y la Orquesta Nueva Filarmonía, de 1969.

La sinfonía va acompañada de la obertura Saga-Drom de 1908

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Monteverdi y las tres ninfas

Volvamos a las versiones comparadas.... Después del nocturno de Chopin, he escogido "Il lamento della Ninfa" del octavo libro de madrigales del gran Claudio Monteverdi, una pieza, para mi gusto, encantadora.

Dispongo de 3 interpretaciones de excelente calidad pero diferentes entre si:

Jordi Savall/La Capella Reial de Catalunya

Rinaldo Alessandrini/Concerto Italiano

Claudio Cavina/La Venexiana

Yo... me quedo con la versión de Alessandrini. Para mí es la más emotiva y la mejor cantada por la ninfa.

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Claudio Monteverdi

...Y del violonchelo romántico de la entrada anterior, al barroco temprano del gran Claudio Monteverdi.

Músico italiano nacido el 15 de mayo de 1567, en Cremona, fallecido el 29 de noviembre de 1643 en Venecia. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del renacimiento y la barroca.

Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de la capilla de la Catedral de Cremona y a los 15 años publicó sus primeras obras.

Entre 1587 y 1638 publicó ocho colecciones de madrigales.

En 1599 se casó con Claudia de Cataneis y el año 1607 se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical.

Su siguiente ópera "Arianna" (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su fama.

En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia.

En su música religiosa utilizó gran variedad de estilos que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus Vísperas, también de 1610, tal vez su obra hoy más famosa.

La obra "Selva morale e spirituale", publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra. En 1637 compuso una nueva serie de óperas, de las cuales sólo conocemos "Il ritorno d'Ulisse in patria" (1641) y L'incoronazione di Poppea (1642).

(de Wikipedia)

He escogido el octavo libro de madrigales: "Madrigales guerreros y amorosos", volumen 1, en una de las mejores versiones existentes: la de Rinaldo Alessandrini.

con su Concerto Italiano en una grabación de 1997.

Los cortes del disco son:

1. Sinfonia

2. Altri canti d'Amor

3. Lamento della Ninfa (1)

4. Lamento della Ninfa (2)

5. Vago augelletto

6. Perche t'en fuggi, o Fillide?

7. Altri canti di Marte (1)

8. Altri canti di Marte (2)

9. Ogni amante e guerrier (1)

10. Ogni amante e guerrier (2)

11. Ogni amante e guerrier (3)

12. Ogni amante e guerrier (4)

13. Hor che 'l ciel e la terra (1)

14. Hor che 'l ciel e la terra (2)

15. Gira il nemico, insidioso Amore

16. Dolcissimo uscignolo

17. Ardo, ardo, avvampo

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Jacqueline du Pré - Elgar - Dvorak

Volvamos a la música clásica; y hagámoslo con una intérprete de violonchelo genial y malograda: La inglesa Jaqueline du Pré; y con unas interpretaciones merecidamente famosas: Las que hizo en 1965 del concierto para violonchelo y orquesta (1919) de Edward Elgar (1857-1934) acompañada de la London Symphony Orchestra dirigida por el también genial Sir John Barbirolli y en 1971 del concierto para violonchelo y orquesta (1895) de Antonin Dvorak (1841-1904) acompañada por la Chicago Symphony Orchestra dirigida por el entonces su marido Daniel Barenboim.

Concierto de Elgar:

1. Adagio-Moderato

2. Lento-allegro molto

3. Adagio

4. Allegro-Moderato-Allegro, ma non troppo

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Concierto de Dvorak:

1. Allegro

2. Adagio ma non troppo

3. Finale (Allegro moderato)

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Música de Barry Lyndon

Por este blog han pasado diversas músicas: Sinfónica, de piano, de cámara, coral, de jazz, de pop-rock... Ahora le toca el turno a la música de cine. Y he escogido la magnífica banda sonora de la película de Stanley Kubrick, Barry Lyndon, en donde se recogen temas barrocos, clásicos, del primer romanticismo, folklóricos de las Islas Británicas... Es una auténtica delicia; para mí la BSO más lograda de la filmografía del gran director.

Paso a indicar la relación de cortes del disco:

1. Georg Friedrich Händel.- Sarabande main title

National Philharmonic Orchestra

2. Sean O Riada - Women of Ireland.- The Chieftains

3.- Traditional - Pipper's Maggot Jig.- The Chieftains

4. Traditional - The Sea-maiden.- The Chieftains

5. Sean O Riada - Tin Whistles.- Poddy Moloney and Sean Potts

6. Traditional - British Grenadiers.- Files and Drums

7. Frederick the Great - Honenfriedberger March

8. Traditional - Liliburlero.- Files and Drums

9. Sean O Riada - Women of Ireland.- Derek Bell/harp

10. Wolfgang Amadeus Mozart - March from Idomeneo

11. Georg Friedrich Händel - Sarabande-duel

National Philharmonic Orchestra

12. Traditional - Liliburlero

Arranged an conducted by Leslie Pearson

13. Franz Schubert - Germa Dance nº1

National Philharmonic Orchestra

14. Georg Friedrich Händel - Sarabande-duel

National Philharmonic Orchestra

15. Giovanni Paisiello - Film adaptation from the Cavatina from "Il Barbiere di Siviglia"

National Philharmonic Orchestra

16. Antonio Vivaldi - Cello Concerto e minor (Third movement)

Pierre Fournier/cello, Festival Strings Lucerne/Rudolph Baumgartner

17. Johann Sebastian Bach - Adagio from Concerto for two harpsichords and Orchestra in

c minor

Karl Richter, Hegwig Bilgram/harpsichords, The Munich Bach Orchestra

18. Franz Schubert - Film adaptation of Piano trio in e flat op. 100 (second movement)

Ralph Holmes/violin, Moray Welsh/cello, Anthony Goldstone/piano.

19. Georg Friedrich Händel - Sarabande-end title

National Philharmonic Orchestra/Leonard Rosenman

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Recuerdo de King Crimson

Robert Fripp, en 1969

King Crimson: Grupo inglés de pop-rock surgido en 1969 y que ha estado en activo hasta más allá del 2000, aunque ha pasado a lo largo de su existencia por diversas formaciones, todas ellas lideradas por el alma y motor del grupo, el músico británico ROBERT FRIPP, que tocaba la guitarra y el melotrón, entre otros instrumentos.

Como ha sido uno de mis grupos de pop-rock favoritos, le hago un pequeño homenaje con este recuerdo.

En primer lugar presento 21 st Century Schizoid Man, de su primer álbum "In the court of Crimson King" el tema que les lanzó a la fama, toda una revolución para la época, 1969.

A continuación, un extenso tema a modo de suite de su tercer álbum de 1970, "Lizard". dicho tema también se llama Lizard y se compone de: a) Prince Rupert Awakes b) Bolero - The Peacock's Tale c) The Battle of Glass Tears d) Big Top

Después incluyo tres cortes de su cuarto álbum "Islands" de 1971, quizá uno de los más logrados; son:

The Letters

Prelude:Song of the Gulls

Islands

Por último, de su séptimo disco "Red" de 1974, su tema Starless.

Nota: La numeración de los discos se refiere a grabaciones en estudio.

Robert Fripp en 1979

Como complemento, adjunto la siguiente página web sobre el grupo:

blog de King Crimson


Enlace 1

Enlace 2

Enlace 3a

Enlace 3b

Enlace 3c

Enlace 4

Séptima sinfonía de Sibelius - Karajan

Vuelve Sibelius a mi blog. Comparto así mi entusiasmo por las sinfonías de este compositor finlandés.

Y coloco la singular séptima sinfonía en una de las mejores versiones que he escuchado, para mi gusto: La impresionate lectura de Herbet von Karajan con la Orquesta Filarmónica de Berlín, en una grabación DG de 1967... Una versión casi impresionista, que se complementa con las también magníficas de Leonard Bernstein, Paavo Berglund, Loorin Maazel....

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Shostakovich, 8ª sinfonía, Mravinsky

Hace ya algún tiempo, creo que fue MO, solicitó que "un alma caritativa" colgara de un blog la versión de Mravinsky de la octava sinfonía de Shostakovich. Aquí está en una grabación de 1943 con la Orquesta Filarmónica de Leningrado.

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Requiem de Ligeti

Con motivo del reciente fallecimiento del compositor húngaro György Ligeti, nada mejor para recordarle que escuchar su impresionante Requiem, parte del cual se interpretó en la conocida película de Stanley Kubrick "2001 una odisea del espacio".

Ligeti nació en Dicsőszentmárton (rumano Diciosânmartin, ahora Târnăveni), en la región de Transilvania de Rumania. Dicsőszentmárton era por entonces un pueblo húngaro con una población de judíos. Ligeti cuenta que su primer contacto con el idioma rumano fue un día que escuchó una conversación entre policías que hablaban dicho idioma, una experiencia incomprensible para el joven. Después de dejar su pueblo natal, no regresaría sino hasta los años 90.

Ligeti recibió su primera educación musical en el Conservatorio de Cluj/Kolozsvár, una gran ciudad en el centro de Transilvania. Su educación se interrumpió en 1943 cuando, dado que era judío, fue forzado a trabajar para los nazis. Sus padres, su hermano y otros parientes fueron deportados al campo de concentración de Auschwitz; su madre fue la única sobreviviente.

Terminada la Segunda Guerra Mundial, Ligeti regresó a estudiar a Budapest, graduándose en 1949. Estudió con Pál Kadosa, Ferenc Farkas, Zoltán Kodály y Sándor Veress. Fue a realizar un trabajo etnomusicológico sobre la música rumana folclórica, pero después de un año regresó a su antigua escuela en Budapest, nombrado profesor de armonía, contrapunto y análisis musical. En aquel tiempo, las comunicaciones entre Hungría y Occidente había sido cortadas por el entonces gobierno comunista, y Ligeti tenía que escuchar en secreto las difusiones de la radio para estar al corriente de los progresos musicales en el mundo. En diciembre de 1956, dos meses después de que el Renacimiento Húngaro fuese aplastado por la armada soviética, viajó a Viena y eventualmente tomó la ciudadanía austríaca.

Entonces se puso en contacto con varias de las figuras clave de la vanguardia que no eran conocidas en la Hungría aislada de su tiempo. Entre ellas estaban los compositores Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig, ambos entonces trabajando en la avanzada música electrónica. Ligeti trabajó en ella en el mismo estudio que había en Colonia, y se inspiró con los sonidos que pudo crear allí. Sin embargo, produjo poca música electrónica propia, concentrándose más en obras instrumentales que pudieran contener aquellas texturas de sonoridad electrónica.

Desde ese tiempo, la obra de Ligeti empezó a ser más conocida y respetada; se considera que sus mejores obras fueron compuestas en el período entre Apparitions (1958-9) hasta Lontano (1967), si bien su ópera posterior, Le Grand Macabre (1978) es también muy conocida. En años más recientes, sus tres libros de estudios para piano han adquirido gran difusión gracias a las grabaciones hechas por Pierre-Laurent Aimard, Fredrik Ullén y otros.

Ligeti tomó un puesto de docente en Hamburgo en 1973, renunciando en 1989. Desde los años 1980, ha sufrido de problemas de salud, que han descelerado su producción compositiva, si bien aún ha continuado escribiendo.

Aparte de sus intereses musicales, Ligeti ha manifestado su interés y hallazgos en la geometría fractal de Benoît Mandelbrot, y en las obras de Lewis Carroll y Douglas R. Hofstadter.

El compositor ha fallecido el día 12 de junio de 2006, después de una larga enfermedad. Descanse en paz.

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Tres obras de Giacinto Scelsi

Un forero de Foroclásico me ha pedido que incluya en mi blog obras de Giacinto Scelsi.

Giacinto Maria Scelsi, Conde de Ayala Valva, fue un compositor italiano y poeta en lengua francesa, nacido en La Spezia el 8 de enero de 1905 y muerto en Roma el 9 de agosto de 1988. Sus obras musicales más características se basan fundamentalmente en una sola nota, alterada por el tratamiento de sus armónicos y por medio de inflexiones microtonales, tímbricas, dinámicas, de volumen, de densidad, de tempo o de octava. Fue el precursor del espectralismo. Cultivó todos los géneros musicales a excepción de la música escénica. Entre sus obras más destacadas se hallan las revolucionarias Quattro Pezzi su una nota sola, ejemplo paradigmático de su estilo compositivo, así como el resto de obras orquestales (Aiôn, Uaxuctum, Konx-om-pax...), el ciclo de 5 cuartetos de cuerda y numerosas obras de cámara (Anahit, Pranam II, Trilogía para violonchelo, Canti del capricorno...). Tanto sus técnicas compositivas como sus ideales artísticos se hallan a medio camino entre su origen occidental y la poderosa influencia que sobre él ejercieron las culturas orientales. Rechazaba de plano los conceptos de composición y de autor, ensalzando por el contrario la improvisación y concibiendo la creación artística como una canalización mediante la cual el oyente es puesto en comunicación con una realidad superior de índole trascendente, siendo el artista meramente un mensajero de importancia menor. Es por ello que apenas concedió entrevistas y se negó en redondo a difundir su imagen en conexión con su música, en su lugar identificándose por medio de un símbolo de origen oriental consistente en una línea bajo un círculo; no obstante, tras su muerte han salido a la luz algunos de sus retratos. Su método compositivo le acarrearía una agria controversia al final de su vida, con acusaciones de no ser el verdadero autor de sus obras por parte de un antiguo colaborador, si bien prestigiosos intérpretes y directores de orquesta que trabajaron directamente con el compositor han avalado su credibilidad y hoy en día el asunto parece mayoritariamente zanjado a su favor.

He escogido tres obras:

- Hymnos, para órgano y dos orquestas, de 1963

- Chukrum, par

a orquesta de cuerda, de 1963

- Uaxuctum "La leyenda 

de la ciudad maya destruida por sus habitantes por motivos religiosos", para 7 percusionistas, timbalista, coro y orquesta, de 1966

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Chick Corea: Improvisaciones para piano

Vamos con jazz...

He escogido una obra para piano singular: Las "Improvisaciones para piano" de Chick Corea.

Chick Corea nació en al año 1941 en Massachusetts, y comenzó a aprender el piano a los cuatro años de edad. Creció con las canciones de Charlier Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Lester Young, y Horace Silver en su vida, Corea desarrolló una pasión para la música en esta edad temprana. Además, la música clásica tuvo un gran impacto en su educación musical.

Empezó a tocar profesionalmente con el trompetista Blue Mitchell en el año 1964, y también practicó con artistas como Cal Tjader y Mongo Santamaría, y como resultado de estos influencias, Corea desarrolló un sentido fuerte por la música de jazz latino. En el año 1968, comenzó a tocar con el famoso Miles Davis cuando él empezó la música fusión, que es la mezcla revolucionario de jazz y rock. Corea era fundamental en este grupo, e hizo un papel tan importante en los álbumes Bitches Brew y In a Silent Way. Después de eso, Corea unió con el movimiento de avant-garde, y estableció el grupo Circle con bajista Dave Holland, el tambor Barry Altschul, el saxofonista Anthony Braxton.

El período después de 1971 fue bastante importante en la carrera musical de Corea, cuando él formó su grupo Return to Forever. Él continuó el desarrollo de la música fusión, y, como en su tiempo con Miles Davis, implementó los elementos electrónicos en su música. Corea grabó los álbumes famosos, muchos de los cuales ganaron premios, como Where Have I Known You Before, No Mystery, y Romantic Warrior. Después de 1975, Corea ensanchó sus horizontes musicales aún más, aventurándose en el terreno clásico, en las composiciones solas, y en los conciertos acústicos. En 1992, él logró un sueño de su vida, estableciendo su propia compañía de grabaciones.Corea es respetado como uno de los músicos de jazz más innovadores y originales, y él ha dedicado un compromiso profundo al desarrollo y la conservación de la música.

Estas improvisaciones datan de 1971 y son:

1. Noon song

2. Song for Sally

3. Ballad for Anna

4. Song of the wind

5. Sometime ago

6 - 13. Where are you now? (A suite of eight pictures)

14. After noon song

15. Song for Lee Lee

16. Song for Thad

17. Trinkle Tinkle

18. Masquellero

19. Preparation I

20. Preparation II

21. Departure from planet Earth

22. A new place

Pongo algunos fragmentos:

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