Viene a mi blog este mes de diciembre música de cine. Es una película de Robert Wise de 1965: Sonrisas y lágrimas (The sound of music), con música de Richard Rogers y Oscar Hammerstein II.
Es un youtube de 24 vídeos con la BSO de la película:
1 de diciembre de 2010
4 de noviembre de 2010
El piano de José Iturbi
Este mes viene a mi blog un painista, compositor y director de orquesta español, José Iturbi (1895 - 1980).
Presento un youtube de 15 vídeos con sus interpretaciones:
Enlace
Presento un youtube de 15 vídeos con sus interpretaciones:
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7 de octubre de 2010
Hindemith - Matías el pintor
En este mes, traigo a mi blog una obra del compositor alemán Paul Hindemith: La sinfonía "Matías el pintor" de 1934.
2 de septiembre de 2010
Sibelius - Oramo
Traigo a mi blog de nuevo a Jan Sibelius y lo hago con un concierto en vivo en 2012 en Copenague con la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Sakari Oramo. Se interpretaron las sinfonías 7, 5 y 1.
Enlace
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1 de agosto de 2010
Vacaciones
Musicoclásico en agosto en su blog no trabaja y se va a ir
a otros lugares... cambia de aires, es decir: ¡de vacaciones!
en septiembre volverá con nuevas descargas de audiciones
de su discoteca que con Uds. desea compartir.
2 de junio de 2010
Richard Strauss - Una sinfonía alpina
Sigo con diversos tipos de sinfonías y le toca ahora el turno a "Una sinfonía alpina" de Richard Strauss, compuesta en 1914 - 15.
He escogido dos versiones:
- Rudolf Kempe
Enlace
He escogido dos versiones:
- Rudolf Kempe
Enlace
12 de abril de 2010
Sibelius - Sinfonía nº 2
Traigo a mi blog, de nuevo a Jan Sibelius; Ahora con su sinfonía nº 2 en una versión de lujo:
3 de marzo de 2010
Los Planetas - Holst
Viene a mi blog la composición más famosa de Gustav Holst: La suite sinfónica "Los Planetas ", de 1916.
9 de febrero de 2010
Stravinsky - Sinfonías
Viene ahora a mi blog música del siglo XX. Igor Stravinsky, con sus mas famosas sinfonías:
- Sinfonía en tres movimientos (1945)
Enlace
- Sinfonía en tres movimientos (1945)
Enlace
- Sinfonía de los Salmos (1930)
19 de enero de 2010
Scheherezade de Rimski-Korsakov
Traigo hoy a mi blog una pieza sinfónica romántica muy conocida: El poema sinfónico Scheherezade de Nicolai Rimski-Korsakov.
He escogido dos versiones: Una de Yevgeny Svetlanov y otra de Valery Gergiev:
Enlace1
Enlace2
Enlace3
Enlace4
Enlace5Gergiev
2 de enero de 2010
Carmina Burana de Carl Orff
Comienzo el nuevo año con una famosa obra del siglo XX: Carmina Burana de Carl Orff.
En el siguiente enlace se da una buena explicación de la obra.
16 de diciembre de 2009
Nochebuena en el Mundo
Llega la Navidad
y Musicoclásico os desea a todos paz y felicidad
y para celebrar tal acontecimiento
traigo a mi blog villancicos que son oportunos en tal momento:
Nochebuena en el Mundo, el disco se titula y es interpretado
por el Coro del Club Santo Domingo de modo esmerado
y dirigido por P. Andrés Barriales O.P. con autoridad,
elegancia, gusto y profesionalidad.
y Musicoclásico os desea a todos paz y felicidad
y para celebrar tal acontecimiento
traigo a mi blog villancicos que son oportunos en tal momento:
Nochebuena en el Mundo, el disco se titula y es interpretado
por el Coro del Club Santo Domingo de modo esmerado
y dirigido por P. Andrés Barriales O.P. con autoridad,
elegancia, gusto y profesionalidad.
2 de diciembre de 2009
Bruckner - Novena sinfonía
Traigo a mi blog a Anton Bruckner y su novena sinfonía. Sinfonía inconclusa dedicada "al amado Dios". Un monumento sonoro, profundo y sentido.
La versión es la de la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Herbert von Karajan
17 de noviembre de 2009
Oberturas y Preludios de Wagner
Viene ahora a mi blog música romántica. Se trata de una selección de oberturas y preludios de las óperas de Richard Wagner:
- El holandés errante
- Tannhäuser
- Los maestros cantores de Nürenberg
Es una interpretación de la Orquesta Sinfónica de Chicago dirigida por Georg Solti.
1 de noviembre de 2009
Dvorak - Sinfonía del Nuevo Mundo
Retorno a la "música clásica" y lo hago con una obra muy conocida: La sinfonía nº 9 "Del Nuevo Mundo " de Antonin Dvorak. No voy a redactar nada de élla pero si coloco aquí dos enlaces en donde sí escriben sobre tal obra:
La versión escogida es una de las mejores:
Ferenk Fricsay dirigiendo a la Orquesta Filarmónica de Berlín, grabada en 1959-60.
29 de septiembre de 2009
Nielsen - Sinfonía nº 5
Viene a mi blog un compositor danés del siglo XX: Carl Nielsen; y lo hace con una de sus sinfonías más famosas, y para mí, la mejor: La quinta sinfonía de 1922.
Carl August Nielsen (9 de junio de 1865 - 3 de octubre de 1931) es tal vez el compositor más famoso de Dinamarca.
Nielsen nació en Sortelung, un pueblo cercano a Odense. Aunque su familia era relativamente pobre, Carl consiguió estudiar violin y piano. Aprendió también a tocar diversos instrumentos de viento gracias a su trabajo en una banda militar de Odense.
Estudió violín y teoría de la música en el conservatorio de Copenhague pero nunca tomó clases de composición. A pesar de eso, empezó a componer. Su primera sinfonía se estrenó el 14 de marzo de 1894 sin mayor éxito. Sin embargo, la misma obra obtuvo un gran éxito cuando se interpretó en Berlín en 1896. A partir de esa fecha, su fama empezó a crecer.
Siguió tocando el violín en el Teatro Real de Copenhague hasta 1905 fecha en la que encontró editor para su composiciones. A partir de 1916 empezó a dar clases en el Conservatorio Real Danés de Copenhague, trabajo en el que continuó hasta su muerte.
El 10 de abril de 1891, Nielsen contrajo matrimonio con la escultora danesa Anne Marie Brodersen. El matrimonio permaneció unido hasta la muerte del compositor.
(de wikipedia)
La Quinta Sinfonía fue compuesta entre febrero de 1921 y el 15 de enero de 1922. El compositor dirigió el estreno en Copenhague el 24 de enero de 1922. La estructura singularmente poderosa de la sinfonía proviene directamente de la interacción de la simplicidad de tipo folclórico y el estilo sinfónico intensamente disonante de los años de Nielsen posteriores a la Primera Guerra Mundial. La sinfonía explora la confrontación de dos estados de ánimo, dos personalidades, dos estéticas.
La Quinta Sinfonía fue concebida poco después de la Primera Guerra Mundial. Aunque Dinamarca no estuvo directamente involucrada en ese conflicto, Nielsen se preocupó profundamente por las tragedias de los tiempos de guerra. Varios comentaristas han rastreado la intensidad de la Quinta Sinfonía directamente hasta sus sentimientos respecto de la guerra. Si bien Nielsen negó todo intento de programa, la confrontación hostil de los opuestos dentro de la sinfonía es innegablemente bélica. Si bien semejante manifestación es demasiado vaga para decirnos mucho sobre las intenciones del compositor o sobre su música, es verdad que sus obras en gran escala de la década de 1920 abrieron nuevos territorios y adquirieron una profundidad que sólo se atisbaba en las anteriores. Están entrelazadas más apretadamente, son más punzantes, más polifónicas, más dramáticas que sus piezas anteriores a la guerra. Nielsen también estaba interesado en componer música de absoluta simplicidad, como las canciones y los himnos populares. La melodía directa que se encuentra en partes de la sinfonía puede relacionarse con esta actitud hacia el público en general. La estructura singularmente poderosa de la sinfonía proviene directamente de la interacción de la simplicidad de tipo folclórico y el estilo sinfónico intensamente disonante de los años de Nielsen posteriores a la guerra.La Quinta Sinfonía está creada en una forma singular, apropiada a la idea dramática de la obra pero diferente de la estructura de una sinfonía clásica. La sinfonía explora la confrontación de dos estados de ánimo, dos personalidades, dos estéticas: la consonante armónica y tranquila frente a la disonante, contrapuntística e intensa. Paul Hamburguer, al escribir sobre las sinfonías de Nielsen, caracteriza estas tendencias como lo constructivo y lo destructivo: "Los impulsos básicos parecen brotar de la... idea de la lucha por la vida, el eterno conflicto entre las fuerzas constructivas y las destructivas... el conflicto, la tensión entre barbarie y civilización, entre caos y orden."De modo similar, el compositor Robert Simpson, en su original libro Carl Nielsen, Sinfonista, considera que la Quinta Sinfonía expresa "el conflicto del hombre, en el que sus instintos progresistas y constructivos están en guerra con otros elementos (también humanos) que lo confrontan con la indiferencia o la oscuridad total. Nielsen descubrió que podía reflejar este drama de mejor modo en una obra de dos movimientos, el primero de los cuales debe contener el enigma del conflicto mismo y el segundo, ser un final que se elevaría desde las cenizas en un gran manantial de energía generadora. Incluso este final no está libre de dificultades, pero demuestra ser definitivamente irresistible".El primer movimiento comienza tentativamente con una oscilación de la viola. Este movimiento perpetuo continúa hasta que se convierte en una obsesión. Las melodías tratan de invadirla, pero repetidamente caen en la mera figuración. El movimiento se desarrolla de modo doloroso y lento, generando un terror hipnótico. Las fuerzas destructivas hacen su entrada a manera de una ráfaga de notas (inicialmente acompañadas por un redoble de platillos) y, luego, un ritmo obsesivo de un tambor militar. Esta música militar genera una barbarie casi caótica, que se desvanece aparentemente antes de alcanzar todo su potencial. Un adagio en las cuerdas trae las fuerzas constructivas. El lirismo que sigue es un contraste conmovedor respecto del que lo ha precedido, pero no logra remplazar simplemente la inquietud de la apertura. El elemento destructivo hace su intrusión y se desata una verdadera batalla. Cuando la ráfaga obsesiva regresa en los vientos, la música del adagio pasa de las cuerdas a los bronces a fin de reunir fuerza. Este movimiento precipita un conflicto mayor, ya que el elemento perturbador ahora puede invadir las cuerdas. La fuerza oscura trae otra vez su alma elemental, el tambor militar. Al principio su ritmo compulsivo suena en su propio tiempo independiente y luego la ofensiva del tambor culmina en la improvisación del ejecutante del mismo "como para detener a toda costa el avance de la orquesta". Finalmente, gana el adagio lírico y el movimiento se aquieta casi pacíficamente con una cadenza del clarinete. Sin embargo, el clarinete está acompañado por un tambor militar que ha sido renuentemente aquietado y que todavía está obsesionado con su ritmo destructivo.La reconciliación al final del primer movimiento es una paz intranquila. Se ha ganado una batalla, pero no la guerra. Las fuerzas destructivas se han retirado de la escena demasiado fácilmente como para admitir la derrota total. El segundo movimiento comienza con un allegro enérgico, completamente alejado de las luchas del movimiento precedente. El caos entra furtivamente y socava esta sección, obligándola a incurrir en repeticiones sin dirección y en un increíble perpetuum mobile de las cuerdas. La sección termina prematuramente, dando paso a una larga transición hacia una fuga rápida. La corriente subterránea de las fuerzas destructivas aparece en la superficie cuando interrumpen el clarinete y los timbales. Cuanto más trata la música de continuar de cara a estos obstáculos, más frenética se vuelve, llegando al final a un frenesí demoníaco y desplomándose: otra sección termina prematuramente. Una segunda fuga, esta vez un andante, trata ahora de impulsar la música hacia adelante. Es intensa y disonante, pero no es destructiva y por lo tanto no es necesaria su destrucción. Al final, se logra una síntesis. La música trasciende el campo de batalla para lograr unidad más allá de las fuerzas constructivas y destructivas. Por primera vez la sinfonía puede avanzar directamente hacia una nueva sección, sin necesidad de una transición mediadora. La sección final es un allegro que recapitula libremente la apertura del movimiento. Esta última parte lleva en sí triunfalmente el espíritu de la exaltación y la síntesis.
(de hagaselamusica.com)
He escogido una versión dirigida por Leonard Bernstein a la Orquesta Filarmónica de Nueva york en 1962:
Enlace
8 de septiembre de 2009
West Side Story
Viene ahora a mi blog el musical de Leonard Bernstein "West Side Story" compuesto en 1957.
West Side Story (Amor sin barreras en los países de habla hispana) es uno de los musicales más famosos del cine. Está basado en una comedia musical del mismo nombre, inspirada a su vez en la obra de teatro Romeo y Julieta de Shakespeare. Es una especie de actualización del lema del amor imposible en clave racial y urbana.
La comedia musical West Side Story se estrenó en 1957 en Nueva York y alcanzó un gran éxito. El espectáculo partía de una idea original del coreógrafo Jerome Robbins, desarrollada en estrecha colaboración con el compositor Leonard Bernstein, el guionista Arthur Laurents, el letrista Stephen Sondheim, y el escenógrafo Oliver Smith.
En 1961 se estrenó la adaptación cinematográfica.
El musical fue innovador: por los bailes, que forman parte de la acción dramática; por la música muy variada de Bernstein (ritmos latinos, jazz, canciones de amor de gran belleza melódica...) y por la temática. Una de las canciones más famosas de esta obra es América, donde se contraponen las dos visiones de los emigrantes al llegar a Estados Unidos: la ilusión por la libertad, la modernidad y el consumismo, y por otro lado el desengaño ante la marginación racial y la pobreza. La puesta en escena de la canción América se sitúa en una azotea donde los sharks charlan sobre su vida en Estados Unidos.
El argumento está basado en la historia de Romeo y Julieta, de W. Shakespeare, pero adaptada a los tiempo modernos: dos bandas de jóvenes, los Sharks, inmigrantes puertorriqueños, y los Jets, norteamericanos nativos, están enfrentadas. El conflicto surge cuando María, puertorriqueña, y Tony, norteamericano, se enamoran.
La partitura de West Side Story fue creada y orquestada por el propio Bernstein, con la ayuda de Sid Ramin e Irwin Kostal. El número de músicos requerido para una interpretación apropiada de la pieza está entre los más altos del repertorio de teatro musical. La partitura necesita de cinco instrumentistas de viento-madera (cada uno encargado de varios instrumentos), siete metales, cinco percusionistas, un teclista, un guitarrista y doce instrumentistas de cuerda. En total, son necesarios 30 músicos para interpretar la partitura tal cual fue escrita por el compositor.
(De wikipedia)
1 de agosto de 2009
Vacaciones
Musicoclásico se ha ido un mes de vacaciones...
volverá en septiembre con nuevas descargas y audiciones...
20 de julio de 2009
El Bueno, el Feo y el Malo - Ennio Morricone
Viene ahora a mi blog música de cine. Una película "del oeste", un "spagetti western": "El Bueno, el Feo y el Malo", de 1966, de Segio Leone. La BSO es de Ennio Morricone.
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16 de junio de 2009
Herbie Mann
Y ahora jazz-fusión... con el flautista Herbie Mann.
Herbert Jay Solomon (* Brooklyn, 16 de abril de 1930 –† Santa Fe, (Estados Unidos), 1 de julio de 2003), Herbie Mann, flautista estadounidense de jazz-fusión especializado en la combinación de elementos del funk, el soul, el pop y la música afrocubana.
Su época de mayor popularidad tuvo lugar durante los años sesenta; en los setenta se sumergió casi por completo en la fusión del jazz con distintos tipos de músicas del mundo, sin olvidar en ningún momento sus capacidades creativas e improvisadoras.
Su época de mayor popularidad tuvo lugar durante los años sesenta; en los setenta se sumergió casi por completo en la fusión del jazz con distintos tipos de músicas del mundo, sin olvidar en ningún momento sus capacidades creativas e improvisadoras.
Herbie Mann comenzó tocando el clarinete cuando tenía nueve años aunque pronto se pasó a la flauta y al clarinete tenor. Tras servir en el ejército, tocó con el Mat Mathews's Quintet (1953-54) y después empezó a trabajar y grabar como líder de grupo. Durante los años que fueron de 1954 a 1958, se inscribió en la tendencia bop del momento, colaborando en ocasiones con músicos como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, BobbyJaspar y Charlie Rouse. Tocó también dentro del cool y fue uno de los pocos músicos que en los cincuenta grabó con el clarinete bajo. En 1957 grabó un disco entero de flauta sin acompañamiento.
Tras dedicar tiempo a tocar y escribir música para televisión, en 1959 formó su Afro-Jazz Sextet, grupo que usaba varios percusionistas, vibráfonono y la flauta de su líder. Realizó una gira por África en 1960 y otra por Brasil en 1961, consiguió un éxito con "Comin' Home Baby" y grabó con el pianista Bill Evans.
Mann exploró también la bossa nova, incorporó música de otras culturas (y melodías del pop) y contó entre sus colaboradores con músicos como Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Newport Festival de 1972 su sexteto contaba con David Newman y Sonny Sharrock. Se convirtió en productor de una compañía subsidiaria de Atlantic, Embroyo, durante tres años y desarrolló música más allá del jazz. En los setenta, Mann se involucró completamente en el rock, pop, reggae e incluso en la música disco. Tras dejar la compañía Atlantic a finales de la década, Mann creó su propia compañía y se acercó de nuevo al jazz. Grabó para Chesky, hizo una grabación con Dave Valentin y en los noventa fundó el sello Kokopelli, que duró hasta 1996.
A lo largo de los años, grabó como líder para compañías discográficas como Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, sobre todo, Atlantic.
Murió a causa de un cáncer de próstata.
Tras dedicar tiempo a tocar y escribir música para televisión, en 1959 formó su Afro-Jazz Sextet, grupo que usaba varios percusionistas, vibráfonono y la flauta de su líder. Realizó una gira por África en 1960 y otra por Brasil en 1961, consiguió un éxito con "Comin' Home Baby" y grabó con el pianista Bill Evans.
Mann exploró también la bossa nova, incorporó música de otras culturas (y melodías del pop) y contó entre sus colaboradores con músicos como Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Newport Festival de 1972 su sexteto contaba con David Newman y Sonny Sharrock. Se convirtió en productor de una compañía subsidiaria de Atlantic, Embroyo, durante tres años y desarrolló música más allá del jazz. En los setenta, Mann se involucró completamente en el rock, pop, reggae e incluso en la música disco. Tras dejar la compañía Atlantic a finales de la década, Mann creó su propia compañía y se acercó de nuevo al jazz. Grabó para Chesky, hizo una grabación con Dave Valentin y en los noventa fundó el sello Kokopelli, que duró hasta 1996.
A lo largo de los años, grabó como líder para compañías discográficas como Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, sobre todo, Atlantic.
Murió a causa de un cáncer de próstata.
(de wikipedia)
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